Enamorarse cada día a las ‘7:35 de la mañana’

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Nacho Vigalondo 
(España, 2003)
Nacho Vigalondo, Marta Belenguer

4 StarsNominado en 2004 a mejor cortometraje en los Premios del Cine Europeo y los Oscar. Con tremenda carta de presentación os acerco uno de los más celebres episodios del universo del director de cine español Nacho Vigalondo. Como cada mañana, una mujer entra en una cafetería, encontrándose ese día con que todo el mundo está en silencio y con actitud extraña, en lugar de estar hablando, como sería lo normal a esas horas. Esta es la premisa. Lo que sucede después es pura poesía. Sucede que aparece en escena el propio Vigalondo y comienza a sonar la música. Se abre paso el surrealismo más gamberro y nunca podrás olvidar ese cansino ritmo de guitarra más teclado y esa maravillosa letra cantada al ritmo de una descacharrante coreografía. Pura poesía.

Un asesino en serie llamado Norman Bates

El creador de Los Soprano, una de las series más importantes de los últimos 20 años, David Chase, ha anunciado que prepara una precuela de la serie en forma de película. Aunque sin todavía director, reparto, ni fecha de estreno, de momento, no nos queda más que esperar.

Y mientras la película de Los Soprano no llega, proponemos un maratón de cara al fin de semana en el que a la película original le siguió, más de 50 años después, una precuela, esta vez, en forma de serie. Este fin de semana toca maratón de Psicosis. En concreto, recomendamos tres piezas centradas en el mundo de Norman Bates y su motel: la película original, un largometraje que nos muestra los entresijos de la grabación de la misma y una serie precuela.

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Psicosis (Alfred Hitchcock, 1960) Marion Crane, una joven secretaria, tras cometer el robo de un dinero en su empresa, huye de la ciudad y decide descansar en un pequeño y apartado motel de carretera regentado por un tímido joven llamado Norman Bates, que vive en la casa de al lado con su madre. Obra maestra de Alfred Hitchcock. Una de las grandes de la historia del cine.

En los años ochenta y noventa se filmaron hasta cinco películas relacionadas con el universo Psicosis. Algunas de ellas contaron incluso con Anthony Perkins (Norman Bates) como protagonista. Gus van Sant, nominado al Oscar como mejor director solo un año antes por El indomable Will Hunting, dirigió un remake de la película original. Sin embargo, ninguna de ellas merece la pena. Todas y cada una resultaron fallidas.

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Hitchcock (Sacha Gervasi, 2012) En este interesante drama biográfico asistimos al momento en el que Alfred Hitchcock (Anthony Hopkins) decide filmar una película de terror aparentemente de baja categoría. Ningún estudio apoya el proyecto, así que decide financiarlo él mismo. El resultado fue una de las películas más famosas e influyentes de la historia: Psicosis.
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Bates Motel (Anthony Cipriano, 2013) Serie de TV, precuela contemporánea de Psicosis. Genial retrato de cómo se desarrolla la psique de Norman Bates durante su adolescencia. Descubre su historia de trasfondo oscuro y retorcido y da a conocer su intrincada relación con su madre, Norma, y cómo ayudó a forjar a uno de los asesinos en serie más famoso de todos los tiempos.

‘El cuento de la criada’: motivos para una huelga

El_cuento_de_la_criada_The_Handmaid_s_Tale_Serie_de_TV-538001951-largeEl cuento de la criada (The handmaid’s tale)
Bruce Miller (Estados Unidos, 2017-actualidad)
Elisabeth Moss, Joseph Fiennes, Max Minghella
Disponible en HBO España

4 StarsEn el futuro distópico de El cuento de la criada las pocas mujeres que quedan con capacidad para concebir son obligadas a servir a sus amos, señores con mucho poder, como concubinas, para darles así los hijos que sus esposas no pueden. Después del fallecimiento de su presidente, Estados Unidos se instala en un régimen teocrático basado en el puritanismo más extremo, donde la mujer pasa a un segundo plano, siendo considerada un objeto cuyo único valor reside en sus ovarios. Y aunque en Occidente solemos tender a creer que disponemos del más justo de los sistemas, ¿cuán lejos estamos de que lo que hemos comenzado llamando “futuro distópico” pasara a poder etiquetarse con un “basado en hechos reales”?

Existen muchas razones para que las mujeres de este país hayan tomado la desición de parar su actividad laboral y doméstica este 8 de marzo. Encontramos argumentos que respalden esta huelga cada día en cada lugar que frecuentamos. En las propias viviendas, en los puestos de trabajo, los parques, los bares… Aún así, a quienes todavía no las tienen todas consigo, a quienes no encuentren motivos de peso para apoyarla, a ellos les urge en mayor medida el visionado de El cuento de la criada. Para que nuestras mujeres, quienes comparten tiempo y lugar con nosotros, los hombres, no tengan que ver en el presente de June Osborne (Elisabeth Moss) y demás mujeres de la serie, su propio futuro, a lo mejor, no tan lejano.

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La serie se sustenta en dos grandes pilares: la dolorosa historia que cuenta y Elisabeth Moss, descomunal durante cada segundo en el que aparece en pantalla, tanto en los momentos de tensa calma como en los de la furia más desgarradora. Moss se ha convertido en una de las actrices de referencia en Estados Unidos desde que entre 2007 y 2015 interpretara a la Peggy Olson de Mad Men. Otra mujer, Peggy, que sufrió en la Nueva York de los años 60 para hacerse con un puesto en la agencia de publicidad liderada por Don Draper, un lugar que hasta aquel entonces parecía reservado únicamente a los hombres. A pesar de las dificultades y gracias a su valía, Peggy Olson logró alcanzar sus objetivos.

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June Osborne, protagonista de El cuento de la criada, parece tenerlo todavía más complicado, pero el camino no ha hecho más que comenzar y tras una excelente primera temporada, el próximo 25 de abril llegarán nuevos episodios de una serie, basada en la homónima novela de Margaret Atwood, que acaparó todos los elogios y premios el pasado 2017. Si mantiene el nivel, difícil lo van a tener sus compañeras de parrilla para desbancarla de lo más alto. A partir del 25 de abril tocará seguir manteniendo la respiración, seguir sufriendo y peleando junto a June y demás mujeres de la serie. Hoy, 8 de marzo, toca apoyar la huelga para que lo que hoy llamamos distopía no se convierta en realidad.

‘La muerte de Stalin’: la comedia negra del año

La_muerte_de_Stalin-284431684-largeLa muerte de Stalin (The death of Stalin)
Armando Iannucci
(Reino Unido, 2017)
Steve Buscemi, Olga Kurylenko, Jason Isaac
Fecha de estreno: 9 de marzo

3 StarsUno de los eslóganes promocionales de La muerte de Stalin otorga a la película de Iannucci el título de comedia negra del año. Y, estrategias de marketing aparte, el calificativo no le queda grande. Porque es una comedia negra de manual: se desenvuelve a las mil maravillas tratando cualquier tema tabú, basando su principal argumento en el más célebre de ellos, la muerte. Pero la película es además una perfecta sátira política poniendo el acento en los abusos de autoridad o la bochornosa lucha de poderes entre miembros de un mismo partido por hacerse precisamente con eso, con poder. Por momentos es la Ser o no ser de Lubitsch, por momentos la paródica Agárralo como puedas o cualquiera de las cintas de los hermanos Marx.

La noche del 2 de marzo de 1953 muere Josef Stalin, además de Secretario General de la URSS, dictador y tirano empeñado en encerrar y asesinar a quien se cruzase en su camino. Tema doloroso y peliagudo y a la vez, tema con el que la película enlaza gag tras gag, alcanzando la excelencia a base de geniales líneas de guión que bien podría haber escrito y pronunciado el mismísimo Groucho Marx y respaldadas por un reparto en estado de gracia.

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Los ingeniosos diálogos son más ingeniosos si los pronuncian Steve Buscemi o Jeffrey Tambor, quienes sobresalen en un reparto de primer nivel. Sus personajes, Nikita Khrushchev y Georgy Malenkov, serán dos de los candidatos a suceder a Stalin y que sacarán a relucir todo tipo de artimañas para hacerse con el puesto de mayor poder en la URSS, desembocando algunas de ellas en escenas que pasan de provocar una sonrisa a producir la mayor de las carcajadas. ¡Quién lo iba a decir! La muerte de Stalin ha desencadenado más de 60 años después en la mejor comedia negra de 2017. No se la pierdan.

‘Amanecer’, la mayor historia de amor jamás vista en un cine

Amanecer1Amanecer (Sunrise, a song of two humans)
F.W. Murnau (Estados Unidos, 1927)
George O’Brien, Janet Gaynor, Margaret Livingston

5 Stars

La rutina, el tedio de lo ya conocido; contra la novedad, lo que se está por conocer. La naturalidad y la sencillez del rural ante la elegancia y la sofisticación de la gran ciudad. Un hombre ante dos mujeres y, sobre todo, ante la decisión de cual de las dos vidas que se le presentan quiere que sea la suya. La vida que ya conoce y cuyas virtudes hizo olvidar el atractivo de una nueva experiencia, o esta nueva aventura que apenas comienza, más alocada y con muchos y resplandecientes atractivos.

George es feliz junto a su esposa Janet. Ambos viven y cuidan de una hermosa granja. Todo forma la perfecta historia de amor… hasta la llegada de Margaret, una sofisticada mujer de ciudad que rápido capta la atención del joven granjero y que pone en duda su amor por Janet y la autenticidad de la felicidad que parecía prevalecer en la granja que ambos habitan.

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Amanecer es un melodrama romántico que mezcla infidelidad, redención y crimen, y que reúne a tres personajes para contar una de las mayores (y mejores) historias de amor que jamás se vieron en un cine, cuya industria por aquel entonces, 1927, no hiciera más que empezar a caminar. Amanecer es también un canto a la vida con todas sus complejidades y esas decisiones que nos vemos obligados a tomar día tras día. Una historia universal con un lirismo y una belleza únicos. Un amanecer que surge del expresionismo alemán llevado al cine y que derivó en un neorromanticismo del que su director, F.W. Murnau, fue abanderado y que resulta ser pura poesía.

Oscar 2018: los ganadores en imágenes

Oscar1
Mejor película: La forma del agua
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Mejor director: Guillermo del Toro (La forma del agua)
Oscar2
Mejor actor principal: Gary Oldman (El instante más oscuro)
Oscar3
Mejor actriz principal: Frances McDormand (Tres anuncios en las afueras)
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Mejor actor de reparto: Sam Rockwell (Tres anuncios en las afueras)
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Mejor actriz de reparto: Allison Janney (Yo, Tonya)
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Mejor guión original: Jordan Peele (Déjame salir)
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Mejor guión adaptado: James Ivory (Call me by your name)
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Mejor película de habla no inglesa: Una mujer fantástica (Chile)
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Mejor largometraje de animación: Coco
Oscar12
Mejor largometraje documental: Ícaro

Fotos: El País.

Oscar 2018: mejor largometraje documental

Cinco largometrajes optan al Oscar a mejor documental del año. Sin un favorito claro, parece que la francesa Caras y lugares parte con cierta ventaja. La noche del domingo conoceremos la respuesta. Estas son mis preferencias, ordenadas de mejor a peor:

1. Last men in Aleppo (Steen Johannessen, Firas Fayyad). Desenterrar niños de los escombros de una ciudad destruida. Situaciones como esta la viven a diario los miembros de los Cascos Blancos, un grupo creado en una Siria que arrastra cinco años de guerra con la misión de socorrer a la gente que sufre los destrozos de las bombas en sus casas y sus propios cuerpos.Last_Men_in_Aleppo-427025100-large Lo que verán en Last men in Aleppo no es ficción. Es un documental grabado cámara al hombro y siguiendo a los Cascos Blancos en cada una de sus misiones, por lo que su visionado puede resultar, cuanto menos, desasosegante.

Se ha tachado al documental de mostrar solo una parte de la historia, de contar solamente una versión de los hechos. Y, obviamente, es cierto. El documental te dice quiénes son los buenos y quiénes los malos en este conflicto. ¿Resta esta circunstancia valor al documento? No lo creo. Narra la historia desde su punto de vista, algo absolutamente lícito, y lo hace sin tapujos, sin tratar de esconderlo, sin mostrarnos la otra versión amputada o tergiversada. Simplemente, sin mostrarla. Es su versión y toca al espectador escucharla, sentirla, y ser consciente de quién, cómo y qué le han contado. Imprescindible.

Disponible en Filmin desde el 15 de febrero.

2. Strong Island (Yance Ford). Estados Unidos y su cuenta pendiente con la discriminación racial. El eterno problema de imparcialidad que (algunos, suponemos) policías y jueces yankis muestran a la hora de actuar cuando quien está al otro lado presenta tal o cual tono de piel.Strong_Island-887187619-large

Con esta premisa de fondo, Ford indaga en la muerte de su hermano, acaecida en 1992, y las consecuencias que aquel desgraciado acontecimiento tuvieron en el seno de su familia y en la vida del supuesto asesino. El director intercala los testimonios de sus hermanas, madre y algunos de los amigos de su hermano fallecido con fotografías de su familia para hablar de la manera más directa y subjetiva (también en este caso) de una historia íntima. Un suceso en el que muere un joven, que afecta a una familia en particular pero que, eso da a entender el documental, responde a una manera de proceder por parte de una sociedad, que sigue mostrando aversión y rechazo a las personas con distinto color de piel. Es un documental sencillo. Sobre lo terrible que puede llegar a ser la vida. Sobre lo injusta que se puede volver. Vale la pena que nos asomemos.

Disponible en Netflix desde el 15 de septiembre de 2017.

3. Caras y lugares (Agnès Varda, JR). La directora de cine francesa galardonada con el Oscar honorífico en 2017, Agnès Varda, es considerada la abuela de la Nouvelle Vague y una de las pioneras del cine hecho por mujeres y del cine feminista. En la actualidad, con 90 años, Varda se une a JR, fotógrafo y artista callejero galo, para emprender una aventura que les llevará a algunos de los pequeños pueblos franceses con más encanto.Caras_y_lugares-741596755-large

Subidos a una camioneta convertida en cámara de fotos más impresora gigantes, los dos protagonistas del documental viajan, fotografían a las personas con las que se cruzan, imprimen y pegan los retratos en fachadas, graneros… Se trata de un filme tan sencillo como original e innovador. Muy fresco, muy real, sobre todo, gracias a la veterana directora. No tanto en el caso de JR, menos natural (difícil igualar la actuación de Varda en este sentido), menos abierto y espontáneo, más preocupado, eso parece, por lucir bien en cámara o por mostrarse de determinada manera a través de sus palabras. El proyecto, dicho esto, vale la pena y disfrutar durante 90 minutos de Varda paga por sí solo el precio de la entrada.

Se estrenará en España el próximo 25 de mayo.

4. Ícaro (Bryan Fogel). La apuesta de Netflix, Ícaro, son dos documentales en uno. Comienza siendo el intento de demostración por parte de un deportista amateur y director del filme, Bryan Fogel, de que con un tratamiento de dopaje adecuado podría ganar una de las carreras ciclistas no profesionales más exigentes del mundo. Y lo que parece que se va a quedar ahí, desemboca en “otro” documental mucho más grande, mucho más importante.caro-807322895-large

Todo da un gripo de 180º cuando Fogel en la búsqueda de quien le aconseje y asesore sobre la manera ideal de consumir determinadas sustancias dopantes topa con la verdadera estrella del documental: Grigory Rodchenkov, director de un laboratorio, el Centro Antidopaje de Moscú. Aquí comienza la verdadera historia, la de una superpotencia (probablemente, no la única) que utiliza a sus deportistas y todos los medios a su disposición (no necesariamente lícitos o legales) para obtener el mayor de los éxitos en cada cita olímpica. Lo que cuenta sorprenderá a pocos o nadie, la manera de hacerlo se vuelve caótica por momentos, pero no deja de resultar curioso e interesante descubrir los entresijos de tremenda trama y cómo el ser humano se las ingenia siempre para, con trampa o sin ella (y con el suficiente financiación), obtener lo que quiere.

Disponible en Netflix desde el 4 de agosto de 2017.

5. Abacus: small enough to jail (Steve James). La famosa crisis financiera de 2008 trajo consigo muchas y muy graves consecuencias por todos conocidas. Que esas consecuencias las hayan sufrido los culpables de haberla provocado ya es otro asunto. En Estados Unidos, la única compañía acusada criminalmente por tales sucesos fue una pequeña y familiar institución financiera: Abacus.Abacus_Small_Enough_to_Jail-249420421-large

A lo largo de los 88 minutos de documental escuchamos las justificaciones de la familia afectada, convertidos, según sus declaraciones, en chivo expiatorio de la crisis y de los abusos bancarios. Todos ellos esperan la resolución judicial que dicte si son culpables o inocentes, si eran conocedores de la estafa que algunos de sus empleados llevaron a cabo, hecho probado, lo que convierte al documental en un thriller judicial cuya resolución interesa, pero no tanto. Y no tanto porque las únicas pruebas que se nos muestran son los propios testimonios de la, eso sí, entrañable familia de banqueros, los Sungs, lo cual dificulta que nos sintamos partícipes de una historia cuyas consecuencias sufrimos todavía en la actualidad.

Sin fecha de estreno en España.